ENTREVISTA A JOSÉ ANTONIO OLARTE

A José Antonio Olarte le conocí hace unos 25 años o así. Tenía un estudio junto con Óscar de la Mota. Olarte hacia relieves y esculturas y Óscar, diseño gráfico. Como aquello no era lógico (que estuvieran en el estudio juntos), al poco tiempo se separaron, físicamente se entiende, porque siguen siendo buenos amigos, y continúan haciendo proyectos juntos como entonces. Los dos han triunfado en lo suyo. He estado en el taller de José Antonio infinidad de veces, ahora lo tiene en una antigua fundición logroñesa.

Hemos hecho proyectos juntos, unos han llegado a buen fin y otros no, pero lo importante es lo bien que lo hemos pasado colaborando.

El más importante de estos fue la escultura “Vigía”, que la UAR de la Guardia Civil le regalaron a los príncipes de España en el 2005 con motivo del 25 aniversario de la Unidad y de la bandera que la princesa les entregó como madrina de la Unidad de Acción Rápida de la Guardia Civil.

Años de trabajo, aprendizaje y compromiso con su obra, sobre todo escultórica, le han permitido elaborar pinturas matéricas y esculturas en diferentes formatos y materiales tales como hierro, bronce o madera, realizadas con un lenguaje sobrio y sintético.

Entre las obras más significativas se pueden mencionar, por su simbolismo, «Naves de Paso”, que hace de puerta oeste de entrada a la ciudad de Logroño. Otra para mí también importante es «Sueño de Ícaro» para la empresa MASA, instalada en una rotonda justo al lado de la factoría.

En su estudio también ha impartido docencia. Comenzó haciendo unas esculturas para los premios del deporte y de ahí surgieron otros encargos que le hicieron decantarse por vivir del arte. Inició su carrera como escultor pero se mueve como pez en el agua en la pintura y el grabado y los combina si es necesario, para expresar pintando lo que no puede explicar esculpiendo y viceversa.

.- Olarte, ¿cuáles han sido tus orígenes en el arte?

¡Buena pregunta amigo Taquio! Nos encontramos en un difícil momento de incertidumbre y de confinamiento. Afrontamos como especie un problema y una situación para la que no estábamos preparados y que marcará un punto de inflexión, que cuestiona incluso el orden establecido en todos sus aspectos: económico, social, político… Pienso como otras muchas personas que habrá un antes  y un después de esta pandemia, un antes y un después de este artículo para EL CENTRO RIOJANO EN MADRID. Hoy, 6 de abril de 2020 contestaré a tus preguntas con la reflexión del momento que vivimos, amigo Taquio. En mi opinión, la incertidumbre de hoy es la misma que nos abre el camino de las ideas, de la imaginación, de la creatividad. La incertidumbre nos diferencia del resto de las especies y también nos da la capacidad necesaria para el arte y la cultura. Las personas que nos dedicamos al mundo del arte y la cultura partimos de la incertidumbre, vivimos en la incertidumbre, tenemos nuestro origen en la incertidumbre, la misma que nos hace crecer y evolucionar como seres humanos. Pienso que todos tenemos el mismo origen en el mundo del arte. Todos, aunque ya no lo recordamos, hemos puesto en papel nuestros primeros garabatos, nuestras primeras casas, árboles, escenas familiares, miedos, juegos. Algunos niños menos afortunados dibujan sus guerras, sus travesías en patera, después, todos hemos mostrado nuestras primeras obras a nuestros padres con las mismas palabras “¡mamá mira lo que he dibujado, mira lo que he hecho!”, esperando una respuesta amable. Supongo que también todos hemos tenido un primer profesor que ha influido de forma especial en nuestra educación y en nuestro camino. El mío se llamaba Fernando Román. Después han ido pasando muchos años de trabajo y de aprendizaje para no terminar nunca de aprender.

.-Marina Pascual te definió como “depoartista”, explícanoslo.

Marina conoce mi pasado como atleta y también sabe que durante algunos años he compatibilizado las carreras de fondo y en pista, con las esculturas. Hay cierta similitud en el camino del arte y una carrera de fondo. En ambos casos el secreto para llegar a la meta es  no retirarse  a pesar de los momentos difíciles.

.-Por lo general, ¿cómo es tu proceso de creación, cómo es tu trabajo?

El proceso habitualmente parte de una idea que se transforma en un dibujo, un boceto inicial, realizado de forma sintética. Después realizo una o varias maquetas que sirven para dar forma al dibujo inicial. Las maquetas permiten ver cómo se comporta la pieza y sirven como referencia para desarrollar y realizar la obra a una escala adecuada al espacio que ocupará. Hay otros procesos, sin boceto, sin una idea previa, procesos en los que el trabajo se transforma en un juego. Con el calor como aliado, en la fundición se pueden dibujar en el espacio «garabatos de hierro». Es una experiencia genial.

.-¿Cuántas fases tiene tu creación artística?, ¿cuál es la diferencia de cada fase?

Es una buena pregunta. Al principio, una de mis preocupaciones fue encontrar un lenguaje personal sobre todo en la percepción visual de las esculturas y por tanto unas formas que permitieran identificar al espectador que las piezas expuestas eran diferentes de las creaciones de otros autores. Las conclusiones en este sentido han sido varias series de esculturas construidas con formas geométricas, conjuntos de círculos y elipses. Con el paso del tiempo he aprendido que el arte debe de ser un ejercicio de libertad y aunque la forma y la materia son importantes no deben condicionar la evolución de las obras y las ideas. Una obra puede transmitir belleza pero también puede contar una historia, mantener un diálogo con el espectador, convertirse en un símbolo, llenar un espacio. Es en los espacios públicos donde he tenido el privilegio de instalar algunas de mis obras. La verdad es que para mí es un orgullo tener obras que llegan a todos los ciudadanos, son una forma de arte compartido y democrático. También es un orgullo para mí pertenecer a un colectivo que aporta obras que cumplen la función de alimento para el espíritu.

.-Todos los artistas, cuando empezamos, tenemos algunos referentes. ¿Cuáles han sido los tuyos?

Hay varios. Eduardo Chillida por hacer poesía con el hierro, Jorge Oteiza por sus esculturas geométricas y su concepción del arte. Los dos escultores españoles fueron pioneros en su lenguaje. Lucio Muñoz y Millares por dignificar materiales  humildes tales como la madera, el papel o las arpilleras. Banksi también me gusta como creador contemporáneo. Son muy interesantes en sus propuestas y la filosofía de sus trabajos.

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.-¿Cómo cree que su carácter personal afecta a la creación de su arte?

En general, además de representar la realidad o expresar una idea o una abstracción, las obras transmiten al espectador sensaciones que tienen que ver con el proceso de trabajo, los materiales empleados y también algo o mucho, el carácter del autor. Si una obra se realiza con energía transmite fuerza y energía, si se fundamenta en un estado de calma, transmite serenidad y equilibrio. Y sí, creo que cuando las obras se realizan con honestidad, transmiten ideas propias, la propia personalidad. Además en estos años de trabajo, he observado que a muchos espectadores y coleccionistas les gusta conocer al autor, así entienden y valoran mejor la obra.

.-¿Qué planes de futuro tienes?

Tenía para este año varias exposiciones, una serie de nuevas esculturas con el nombre genérico de «Esculturas habitables».El problema que vivimos tendrá repercusión en todo, todo tendrá que ser aplazado. Ahora hay un tiempo para pensar y guardar los pensamientos. Después el mundo del arte surgirá de nuevo, posiblemente más despacio, y con otro sentido.Se me ocurre como idea final de la entrevista una obra dedicada a la fragilidad de los seres humanos y a la necesidad de empatía para el futuro.